Paco Roca: “El cómic tiene una libertad que no tienen otros medios”

 

Paco Roca en la UEM - Foto de Susana Urquiza

Esta semana, en las actividades encuadradas dentro de la Semana de la Comunicación, había una cita obligatoria para todos los amantes del cómic. Bajo el título “Del comic al cine. La realidad dibujada” hemos podido asistir a una conferencia con dos invitados de excepción: el dibujante Paco Roca y el productor Manuel Cristóbal. Ambos partícipes de la adaptación a película de animación del cómic ‘Arrugas’ de Paco Roca.

Texto: Álvaro M. Angulo y Miguel Ángel Martínez //

Foto: Susana Urquiza y Álvaro M. Angulo //

Dibujo: Paco Roca (gracias)

Al terminar la charla tuvimos la oportunidad de preguntar al ilustrador, guionista, creador de la novela gráfica ‘Arrugas’ Paco Roca. Esta obra ha cosechado un notable éxito en nuestro país (fue galardonado en el 2008 con el Premio Nacional de Cómic) como en el extranjero, especialmente en nuestro país vecino francoparlante, y, no, no me refiero a Mónaco ni a Andorra, si no a Francia, una de las capitales culturales del noveno arte.

P: ¿Cómo definirías tu estilo de dibujo?

R: Se podría incluir dentro de la línea clara, como el cómic estilo franco-belga. Es un estilo de dibujo bastante aséptico digamos, en el que te puedes olvidar de que estás viendo dibujos y centrarte en la historia. Porque al final lo que me gusta es contar historias y el dibujo es como la parte necesaria para poder hacerlo.

P: ¿Qué dibujantes te han influido y cuáles sigues/lees en la actualidad?

R: Me han influido muchos de los franco-belgas. Desde Hergé a Uderzo. Y de los españoles Raf y Escobar serían algunos de ellos. A partir de ahí vas cambiando de gustos. Desde Frank Miller a Katsuhiro Otomo, Taniguchi, Giardino, Daniel Torres, Daniel Clowes; vamos, muchísimos.

 

Paco Roca firmando después de la charla

Paco Roca firmando después de la charla

P: Has comentado en la charla la soledad del dibujante, ¿cómo se sobrelleva y cuántas horas dedicas al día a dibujar?

R: Al final es un trabajo bastante normal. Me levanto a las siete de la mañana y me pongo a trabajar. Paro para irme con la bici o al gimnasio o lo que sea. Entonces es la hora de comer y después vuelvo a trabajar hasta las ocho. Al final es un horario bastante de oficinista. Como viajo bastante todavía no tengo esa sensación de soledad del estudio. Desde hace tres o cuatro años prácticamente todas las semanas tengo que salir de mi estudio. Ayer estuve en Francia, hoy estoy aquí, el lunes que viene me voy a Barcelona; o sea, que más o menos eso me está sirviendo para no tener esa soledad del estudio, que acaba siendo un poco dura.

P: Has hablado sobre vivir en España dibujando cómics. En tu caso fuiste a Francia, cosechaste éxito y volviste a nuestro país. En el caso de Salvador Larroca, que has mencionado, migró a Estados Unidos, tuvo éxito y es reconocido aquí; ¿para triunfar y ser un buen dibujante en España hay que conseguir el éxito fuera y volver?

R: En parte durante mucho tiempo ha sido así. Pero esa es la mentalidad que tenemos los españoles, si no tenemos éxito fuera parece que nunca sea lo mismo y necesitas poner un pie fuera para luego poder volver aquí con dignidad. Mi caso ha sido un poco curioso. Empecé a trabajar para el mercado francés, que al final es el mercado más fuerte que hay. Y también me he dado cuenta que, por las razones que sean, lo que hago en España funciona. Entonces empiezas a plantearte que quizás sí que se puede vivir sin tener que ser un inmigrante y poder trabajar para el mercado español y que se publique en otros países. Pero pensando en ese mercado español. Creo que ahora es un momento clave para ese tipo de cosas, porque tanto yo como otros dibujantes empezamos a apostar por el mercado español. Faltará ver qué pasa en el futuro.

 

Dibujo de Paco Roca para Uemcom

Dibujo de Paco Roca para Uemcom

P: ¿Qué consejo darías a los estudiantes que quieran dedicarse al mundo del cómic?

R: Es difícil. Pero tanto como dedicarse a otra faceta de la cultura. Dentro de eso hay dos formas de meterse: tirarse directamente de cabeza y ver qué pasa, o, en mi caso, ha sido poco a poco e ir alternándolo. Empecé trabajando en la publicidad, cada vez trabajando menos, y en la ilustración hasta dedicarme únicamente a los cómics. Desde las dos partes se puede ir. Hay que tener en cuenta lo difícil que es entrar en el mercado de editorial. En cierta forma no es que dependa de la suerte, que la tienes o no; pero teniendo un buen trabajo puedes llegar en el momento adecuado o no. Entonces es importante también conocer el mercado. Podría ser la suerte de aparecer en el momento adecuado con el producto adecuado, con ‘Arrugas’ me pasó. Era el momento para haber hecho algo así. Si lo hubiese hecho más tarde hubiese habido más cosas y no esa repercusión. El mercado no estaba preparado para algo así. Creo que el consejo es tener un poco de conocimiento de mercado y ganas y ánimo.

P: Este año tenemos una gran cantidad de estrenos de cómic del mainstream adaptados al cine, como por ejemplo ‘Linterna verde’ que se va estrenar dentro de poco, ¿hay alguno que te apetezca ver?

R: Creo que se están haciendo adaptaciones muy buenas. Sobre todo cosas que se salen un poco del mainstream. De las últimas películas que he visto, de las que más me ha gustado es ‘Kick-Ass’ por ejemplo. Me parece que es una buena adaptación de otro tipo de cómic. Porque, al final, verte otra película de ‘Los cuatro fantásticos’ o ‘Linterna verde’ o de lo que sea no te aportan mucho. Se está uniendo un poco el cine indie con el cómic alternativo y creo que encajan perfectamente y puede ser una buena forma de entrar. Cada vez la gente está mirando más hacía el mundo del cómic. El cómic ha bebido del cine, y al revés. En el cine se están viendo historias del cómic mucho más frescas. Pero también porque el cómic tiene una libertad que no tienen otros medios. Bueno, la literatura también lo tiene, pero de otra forma. Porque incluso la literatura ya es como una industria muy fuerte y el cómic sigue siendo casi underground. El cómic es un poco minoritario en cierta forma, con lo cual tienes una libertad absoluta y eso le está dando una frescura de ideas que le viene muy bien.

El Estudiante

Cartel de la película

Cartel de la película


Una de las propuestas que llegaba a nuestras salas de cine la semana pasada se trata de la película mexicana más taquillera del año pasado. Dirigida por el debutante Roberto Girault en 2009 nos llega esta tragicomedia con tintes de novela quijotesca, literalmente, en el que veremos como un anciano de setenta años decide reemprender sus sueños y comenzar sus estudios en la universidad a pesar de su edad. Allí tendrá que enfrentarse a la diferencia generacional con sus compañeros de curso mientras vive su quimera.
Álvaro M. Angulo
Chano (Jorge Lavat) es un anciano con aires de Don Quijote que se embauca en la aventura de estudiar Literatura en una facultad de México. Allí le costará integrarse con un grupo de jóvenes universitarios, pero que gracias a su espíritu y al apoyo de su mujer, apodada cariñosamente por él como “mi sirenita”, logrará ir adaptándose a su situación y romper la brecha generacional. Con este pretexto iremos viendo los problemas que tiene la juventud de ahora, que no son tan distintos de los de antaño, y cómo cada personaje los va enfrentando: las relaciones de pareja, embarazos no deseados, sacrificios personales, tonteo con las drogas, etc.
Secuencia de "El Estudiante"

Secuencia de "El Estudiante"


El Estudiante” es una película de esas sencillas y vitalistas que normalmente pasan desapercibidas por el público. Por suerte, ésta viene acompañada de un gran éxito en su país y del boca a boca que la ha convertido en un superventas tanto de entradas de cine como de DVDs. Pero en qué radica el éxito de esta película os preguntaréis. Pues bien en una propuesta sin altas miras ni pretensiones, pero que a cambio te ofrece una serie de realidades cercanas y sentimientos (bien marcados por la banda sonora que la acompaña y en algunos momentos por la fotografía) que todos podemos reconocer ya sea por haberlos vivido o conocer a alguien que le haya pasado. Y lo hace desde una perspectiva viva y simple, sin juzgar a sus protagonistas limitándose a contarnos esta historia que puede parecer muy distante, pocos espectadores se sentirán identificados con el protagonista, pero que a través de su mirada cargada de experiencia irá adentrándose en la vida de sus jóvenes compañeros que recurrirán a él en busca de consejo. Tal vez se hace demasiado hincapié en la trama del Quijote y de la obra teatral que representan, y puede que ese sea el punto en donde chirría un poco la cinta, pero esta sobrereferencia a la obra de Cervantes se ve compensada por el retrato de una sociedad más optimista del que estamos habituados (llama la atención que no se digan tacos en todo el metraje) que irá conmoviendo a más de uno cuando la vea.
Imagen de rodaje de "El Estudiante"

Imagen de rodaje de "El Estudiante"


Recalcar el papel de Jorge Lavat como Chano, personaje inspirado en la figura del abuelo de uno de los guionistas del film, como bien nos explicó su director en la rueda de prensa celebrada en Madrid. Girault también nos contó que no tenían en mente a un actor concreto cuando escribieron el guión pero que cuando se reunieron con Lavat supieron de inmediato que era el idóneo para el personaje. Ya que Chano es el alma de “El Estudiante”, siendo éste un personajes complejo que tiene que mostrar tanto un lado más regio y de figura que infunda respeto, al más estilo Don Quijote, pero que a su vez también es una persona amable y frágil que afronta una situación como un desafío. Destacar también el resto del reparto de jóvenes actores que configuran la pandilla de universitarios, la mayoría de ellos amateur o noveles en esto del séptimo arte, que aportan frescura con sus interpretaciones y contribuyen a dar ese punto de realidad, algo mágica quizá, que rezuma la cinta.
En resumen si quieres ver una película que te haga vivir en el amplio sentido de la palabra, ya sean emociones, nostalgias, vivencias, una opción más que recomendable es “El Estudiante”. Es una cinta sencilla, optimista y vital, puede que algo simple en su concepción y desarrollo (no es la obra maestra definitiva ni mucho menos) pero que compensa con la humanidad que respiran sus personajes y que te emocionará seguro. Y esto, el ver una película que sea capaz de emocionarte, ya sea sacándote tanto una carcajada como una lágrima, es mucho más de lo  ofrecen actualmente. Y cómo dice su  slogan: “el corazón no se cansa de aprender” o “nunca es tarde si la dicha es buena”, y, en este caso, que mejor que contemplar una historia que te hará sentir mejor después de verla.

Chico&Rita

Cartel de la película

Cartel de la película

Una de las galardonadas en la última edición de los Goya se estrena esta semana en la cartelera española. Y se trata de una película de animación que no tiene nada que ver con las de Disney. Bueno, algo si tiene que ver con Disney, ya que es su distribuidora, pero en lo que a animación se refiere se sitúa en el polo opuesto de las propuestas de la factoría de Mickey Mouse. Y digo opuesto porque se trata de una película de dibujos animados, que no de animación en 3D, pero para adultos. Sí, es una de esas raras avis que se asoma a ese mundo por explorar que supone el mundo de animación no destinado a un público infantil, y ya llegaríamos a poder tildarla como extremus rara aviscuando vemos quiénes son los autores de esta película. Porque detrás de este proyecto se esconden ni más ni menos que Fernando Trueba (director de cine), Javier Mariscal ( pintor, diseñador) y Bebo Valdés (músico). Estos tres artistas destacados en cada uno de sus ámbitos han aúnado esfuerzos para dar vida a esta historia que nos traslada a Cuba en donde conoceremos a un limpiabotas antaño pianista embriagado por los recuerdos de un amor perdido hace casi medio siglo y todo ello a ritmo de jazz y blues.

Álvaro M. Angulo

En la Cuba actual veremos como un viejo pianista se busca la vida limpiando zapatos para sobrevivir y regresa día tras día a su humilde piso comunitario. Allí entre copas de alcohol su única vía de escape será la música de una vieja radio. Gracias a una emisora de grandes éxitos nos introduciremos en sus recuerdos que nos llevan a una época prerrevolucionaria de la isla. Allí veremos cómo un joven músico talentoso, Chico, busca labrarse un nombre y una oportunidad, cuando se enamora de una cantante, Rita, a la cuál seduce y convence para que canté con él para un concurso radiofónico componiendola una canción en su nombre. El destino los separará en varias ocasiones hasta separarlos de país, en donde cada uno labrará una carrera de éxito pero siempre con la añoranza del otro.

Secuencia de "Chico&Rita"

Secuencia de "Chico&Rita"


Para poder imaginarse esta película conviene tener en mente el estilo surreal y minimalista de Mariscal. Ya que lo vemos en cada rincón de cada fotograma. Con unos trazos simples otorgando mayor importancia a las formas, en «Chico&Rita» nos ofrecen unos personajes que trasmiten más vida que la mayoría de los que pueblan las fantasías fabricadas integramente por ordenador, logrando que se vuelvan más expresivos que muchos de los dibujos animados que hemos visto a pesar de la sencillez con la que están diseñados. Pero esto son los personajes, que si les sumamos la iluminación efectiva y sin buscar otra cosa que configurar y dar profundidad a los mismos nos encontramos con verdaderos seres tridimensionales, porque caso aparte son los fondos. Preciosisamente barrocos en cuanto a la cantidad de detalles y bellamente coloreados son uno de los mayores aciertos de esta película, además de recrear una Cuba llena de anuncios americanos y de pisos hipnóticamente enmoquetados, pasando por un Nueva York que no tiene qué envidiar nada de postal alguna,  la neónica Las Vegas e incluso el breve paso por París también se convierte en una delicia visual con estos dibujos sencillos, que integran el sentido efectista del artista catalán pero a su vez muestran su pasión y devoción por los colores. Destacar el buen hacer en cuanto a los cuidados movimientos de cámara integrados con los objetos que vemos de fondo ya que éstos no son meros cuadros estáticos.
Nueva York en "Chico&Rita"

Nueva York en "Chico&Rita"

Respecto a la historia comentar que rezuma nostalgia por todos los bordes. Con un esquema clásico de historia de desamor, a las cuáles hace varios guiños poco velados que sorprenden, juega con los flashbacks para narrarnos cómo es esta pareja de artistas y de paso contarnos algunos temas de trasfondo como el éxodo de cubanos a EEUU, los clubes nocturnos de Jazz y sus estrellas, la revolución cubana con su ilusión de cambio de cómo comenzó a cómo se ha quedado, el racismo de la sociedad americana en las décadas de mediados del siglo pasado, y con ese regustillo a historia de recuerdos que nos esconden más verdad que la que nosotros podemos apreciar.

«Chico&Rita» es una pequeña joya que esconde una preciosa obra de arte que admirar en cada fotograma. Con unos personajes sencillos que te van engatusando y grangeando simpatías enmarcados dentro de una historia que podría haber sido rodada en blanco y negro hace cincuenta años, pero que se presenta como un recital de colores y formas que te van llavando de un escenario a otro  deseando ver más de ellos y cómo están dibujados.  Seguramente esta cinta la disfrute más un público más adulto, al igual que la animación que ofrecen, que uno más joven, ya que te plantea una recreación histórica de lugares y acontecimientos que puede que no llegen a todos junto con esa nostalgia y gusto por el pasado perdido que se adquiere con los años, pero no deja de ser una historia universal.  Lo mejor que puedes hacer si decides ver esta película es dejarte llevar por el ritmo de la música y presenciar esta deliciosa sucesión de imágenes que te irán embacuando hasta darte cuenta que ya se ha terminado.

Valor de ley ('True Grit')

Cartel de la película
Cartel de la película

Con la firma de calidad que supone venir con el sello de los hermanos Cohen llega a las pantallas españolas su última película titulada «Valor de ley» («True Gift», 2010). Además de traer debajo del brazo el reclamo de las diez candidaturas a las que opta la película en la próxima ceremonia de los Oscar. Y para rematar cuenta con un Jeff Bridges en estado de gracia como protagonista junto con la jovencísima, hasta ahora prácticamente desconocida, actriz Hailee Steinfeld además de un par de secundarios de lujo como son Matt Damon y Josh Brolin. En el afán de renovarse en cada película, o, si lo pensamos mejor, de hacer lo que les da la gana, en esta ocasión los hermanos más prolíficos del cine independiente se embarcan en un remake de la cinta con el mismo nombre «Valor de ley» («True Gift«, 1969) rodada ya hace más de cuatro décadas que contaba con John Wayne como protagonista y un llamativo parche negro caracterizándole. Suponemos qué algo debieron de ver los Cohen en esta historia de un malhumorado y borracho Marshal del lejano oeste que junto con un Ranger de Texas son contratados por una niña para capturar al asesino de su padre. Leer más...

Álvaro M. Angulo

Secuencia de "Valor de ley"
Secuencia de «Valor de ley»

La joven Mattie (Hailee Steinfeld) decide tomar la revancha en el nombre de su familia después de que su padre fuera asesinado. Ante la indiferencia de la autoridad por capturar al renegado Tom Channey (Josh Brolin), que se ha refugiado en territorio indio, Mattie decide contratar al más eficaz rastreador y rudo de los cazarecompensas: el U.S. Marshal Rooster Cogburn (Jeff Bridges), un veterano agente de la ley que bebe demasiado de gatillo fácil y malas pulgas. Juntos, la valiente y madura joven y el experimentado federal, emprenderan la búsqueda de Channey acompañados por un intrépido, algo novato, fanfarrón y eficiente Ranger de Texas apellidado LaBoeuf (Matt Damon).

Con un western muy atípico se presentan los Cohen a los Oscar de este año, y puede que den la campanada con él a pesar de ser un remake. Lo primero por contarnos una historia tan simple como llena de personajes tan conocidos en sus estereotipos que soprende al ver que todas las ideas que tenemos de cada uno de ellos y que cada cosa que esperamos  de ellos no se va a cumplir. Lo segundo resaltar de nuevo lo de «película del Oeste fuera de los canones», ya que apenas veremos escenas y paisajes habituales en el género, es más, seguramente salvo en los primeros minutos, en donde predomina el amarillo característico del desierto o la escena del río, el resto del film nos lleva a paisajes nevados, judgados llenos de gente y abogados, escenas nocturnas, bosques repletos de verde que se distancian enormemente del imaginario que tenemos del far west. Y además nos lo cuentan con una sencillaz apabullante, que te va sumergiendo en la historia poco a poco según van apareciendo los personajes pero que te mantiene pendiente de ella sin saber por dónde va atranscurrir. Destacar, por otro lado, los momentos de humor que aparecen por todo el metraje y que colaboran a crear simpatías con todos los caracteres junto con la gran dirección de actores que suele ser marca de la casa.

Jeff Bridges en "Valor de ley"
Jeff Bridges en «Valor de ley»

Y hablando de los actores de «Valor de ley» hay que destacar la soberbia actuación de Jeff Bridges en este papel de cascarrabias, borracho, duro e interesado Marshal que ha vivido tiempos mejores pero que en el fondo esconde un buen corazón. Además de la joven Hailee Steinfeld que no desentona en darle la réplica en la pantalla y cuya actuación le ha merecido el reconocimiento al ser nominada a mejor actriz revelación. Junto a ellos un Matt Damon correcto que realiza una buena interpretación, aunque quizá resulte el más flojo visto en conjunto, y Josh Brolin, que colabora con su pequeño papel pero de vital trascendencia, a pesar de aparecer más desfigurado de lo habitual. No lo he comentado antes, pero toda la ambientación y recreación de la época, junto con el vestuario, merece un reconocimiento aparte por lo lograda y convincente que resulta.

Si te apetece ver una buena película, «Valor de ley» es una apuesta segura. No es una película de vaqueros, bueno, sí lo es, pero no como las más conocidas del género, que te soprenderá gratamente, tanto si eres fan del cine de los Cohen como si sólo quieres que te cuenten una buena historia, pero que te la cuenten bien. En definitiva es un relato de venganza que resulta en redención que se centra en esos momentos que transcurren mientras tanto y que te deja con cierto sabor agridulce pero con la sensación de haber contemplado buen cine.  Por cierto, la mano de Spielberg se nota en la parte final, que habrá a quién le guste, pero para algo es el productor.

Morning Glory

 

Morning Glory

Cartel de la película


Una de las propuestas cinematográficas que podremos encontrar en cartelera este mes a partir de este 21 es “Morning Glory” (‘Morning Glory’, 2010), que bien podríamos traducir por “Gloria matinal” ya que “matutina” está más en desuso. Se trata de una comedia con tintes románticas que explora el mundo de los informativos matinales en la televisión americana. Como principal reclamo de esta cinta dirigida por Roger Michell, el que fuera responsable de “Nothing Hill” (1999), encontramos a Rachel McAdams como protagonista de la cinta y a un dúo de actores consagrados como Harrison Ford y Diane Keaton.
Texto: Álvaro M. Angulo//Foto: Antonio Costa.
Rachel McAdams en el Photocall

Rachel McAdams en el Photocall

Morning Glory” nos cuenta la historia de Becky Fuller (Rachel McAdams) una productora ejecutiva de un pequeño canal que ve cómo es sustituida de su programa de un día a otro para contratar a un empleado con más experiencia. Este hecho le abre posibilidad de buscar lograr sus sueños, que en este caso es el de dirigir el clásico matinal informativo líder de audiencia “Today’s News”. Pero en lugar de eso recaerá en un programa que ni siquiera es relevante de para las audiencias plagado de contenidos efímeros que nadie se atreve a intentar reflotar. Con su llegada tendrá que afrontar diferentes problemas como adaptarse a una nueva ciudad, a su nuevo jefe (Jeff Goldblum), a los presentadores del programa (Diane Keaton), a las exigencias de todo el staff, a intentar compaginar su vida laboral y sentimental, y, además, su primera decisión importante, la de rescatar del ostracismo a una leyenda del periodismo (Harrison Ford) no hará nada más que complicar su delicada situación.

Rachel McAdams respondiendo a una pregunta

Rachel McAdams respondiendo a una pregunta

Seguramente el punto más reseñable de esta película sea ver dos tipos de actuaciones que confluyen en ella y el contexto en el que se suscribe. Por un lado tenemos a Rachel McAdams, que lleva todo el peso de la película y su personaje principal está repleto de pequeños guiños, tics, gestos y sonrisas que logran reflejar una actuación fresca y adecuada para este papel que junto con su belleza consigue llevar a buen puerto. En la rueda de prensa celebrada el mismo día del estreno McAdams comentó que estuvo en contacto directo con varios productores ejecutivos de este tipo de programas, y experimentó de primera mano lo que es levantarse a las una de la mañana para entrar a trabajar dos horas después y sobrevivir a base de café hasta bien entrada la mañana. “Gracias a esta película sé dónde se puede conseguir un buen bistec a las 10:00 am” comentó como una de las cosas curiosas que le habían pasado.

Harrison Ford durante la rueda de prensa

Harrison Ford durante la rueda de prensa

El segundo punto reseñable es la actuación por primera vez juntos en una película de Harrison Ford y Diane Keaton. En esta ocasión como secundarios de lujo que mejoran el resultado global y que van ganando peso según transcurre la cinta. Ford es el encargado de interpretar a un periodista que lo ha sido todo en el mundo de la televisión en horas bajas. Se trata de un personaje algo agrio y malhumorado que representa ese tipo de periodismo ético que quiere contar historias importantes que últimamente escasea. “Hay periodistas responsables en las noticias, pero lamentablemente la objetividad es menor y responden más al marketing las noticias para que los espectadores se sientan cómodos con sus ideas políticas” explicó el actor norteamericano, que sobre la película dijo “que es muy difícil hacer comedia de corte clásico hoy en día ya que las audiencias son más jóvenes y tienen otro tipo de humor. Me intereso el papel por la calidad de los diálogos y la inteligencia de los personajes y de las situaciones de comedia.”

Roger Michell contestando a la prensa

Roger Michell contestando a la prensa


“Morning Glory” es una película que hará pasar un buen rato a quienes asistan a las salas a verla pero, como consejo, que tengan claro qué tipo de película van a ver. Se trata de una comedia ligera con ciertos puntos románticos que pretende entretener y mostrar la vida y relaciones que se dan en una redacción de noticias. No tiene la intención y no la busca de ser una crítica al periodismo actual ni nada por el estilo, como bien nos aclaraba el propio Michell en la comparecencia ante los medios en Madrid, “no busca el debate que hay entre los programas matinales y de noticias y su imparcialidad. No es el tema de la película, sino que son los ingredientes que forman un programa matinal”. Y conviene tenerlo claro, porque es una propuesta sencilla y divertida, sobre todo cuando el programa despega y los presentadores no se soportan, que levantará más de una sonrisa y puede que alguna carcajada, y que te entretendrá lo justo para olvidarte durante un rato de todo lo demás.

También la lluvia

 

También la lluvia

Cartel de la película

Estamos ante el estreno más importante y significativo de este comienzo de año para el cine español. Simplemente porque va a ser nuestra cabeza visible en la galería de los Oscar para competir por el de Mejor película de habla no inglesa, dejando en la cuneta para este honor a títulos como “Lope” y “Celda 211”. “También la lluvia” (“Even the rain”, 2010) se trata de la última cinta dirigida por Icíar Bollaín y protagonizada por Luís Tosar y Gael García Bernal.

Álvaro M. Angulo

También la lluvia” nos introduce en el mundo del cine a través de las experiencias de una productora española: con su director (Bernal), productor (Tosar), su actor estrella  (Karra Elejalde), sus secundarios de lujo (Carlos Santos y Raúl Arévalo) y sus extras encabezados por su líder indígena (Juan Carlos Aduviri), tanto en el pasado como en la actualidad; que se dispone a rodar una película sobre Cristóbal Colón en Bolivia. Allí se verán inmersos en la revuelta popular por la privatización del servicio de aguas que pondrá en peligro la continuidad del rodaje y la integridad del equipo.

Con un sólido guión del comprometido escritor Paul Leverty, colaborador habitual de Ken Loach, Bollaín nos presenta una historia de cine dentro del cine que además nos enseña una visión del “colonialismo” poco conocida, por no decir que no se desea mostrar, que servirá para volver a ver cómo la historia se repite quinientos años después con diferentes explotadores pero con los mismos explotados. La lucha del pueblo bolivariano que se nos muestra es una recreación fidedigna de lo que aconteció allí no hace tanto tiempo, hace diez años, o sea en el 2000, y nos recuerda cómo se sigue explotando a los más desfavorecidos dentro del capitalismo global en el que vivimos que olvida tan rápido.

Luís Tosar junto a Gael García Bernal

Luís Tosar junto a Gael García Bernal

“También la lluvia” es una película que se podría intentar encasillar dentro del denominado cine social o denuncia, pero sería un error, ya que además de mostrar la situación y la respuesta de un pueblo ante un derecho básico, aprovecha para contarnos cómo son los entresijos de la industria del celuloide y el cómo se lleva a cabo un rodaje. Y en este punto se podría catalogar de melodrama, con sus puntos de comedia y la tensión que se respira en otros. Pero además también es testimonial o documental de un momento histórico, tanto el presente cercano como el pasado olvidado, como de metacine, cine hablando de cine.

Esta cinta demuestra la maestría que su directora está adquiriendo, siendo una narración compleja que solventa de manera más que adecuada y que nos presenta verdaderos momentos conmovedores y escenas que podrían estar recogidas en un telediario, todo esto en conjunto con un gran trabajo de actores coral en el que vuelve a sobresalir Luís Tosar en el papel de Costa.

Estamos ante una buena película que quizá no sea del gusto de todos los públicos, pero para aquellos espectadores que les guste que estimulen su cerebro con ciertas ideas y que les deje ese comecome para paladearlo luego y hablar de ella encontrarán una historia perfecta.

El último bailarín de Mao

Cartel de la película

Cartel de la película

Una de las películas que se presentó en la última edición de la SEMINCI llega hoy a todas las salas de España. Se trata de «El último bailarín de Mao» dirigida por Bruce Beresford, conocido por ser el realizador de la mítica «Paseando con Miss Daisy» (‘Driving Miss Daisy, 1989) o «Camino al paraíso» (‘Paradise Road’, 1997); con guión de Jan Sardi, guionista de títulos  como «Shine» (1996) o más recientemente  «El diario de Noa» (‘The Notebook’, 2004). Se trata de la adaptación a la gran pantalla de la biografía del bailarín Li Cunxin, el cual ha estado implicado en el proyecto, cofirma el guión, y se ha mostrado muy contento con el resultado.

Álvaro M. Angulo

«El último bailarín de Mao» nos muestra la vida de Li Cunxin. Veremos cómo es adoptado por el régimen comunista chino desde su más tierna infancia para incluirle e inculcarle sus valores a través de la escuela de ballet. Con el tiempo se convertirá en un gran artista y tendrá la oportunidad de ir a USA con una beca. Allí descubrirá que el mundo no es cómo le habían contado y tendrá que hacer un gran sacrificio en contra de su gobierno por lograr lo que quiere.

Secuencia de "El último bailarín de Mao"

Secuencia de "El último bailarín de Mao"

Estamos ante una película que argumentalmente sigue unas pautas clásicas, que no por ello dejan de ser eficientes, al ver cómo es el origen del protagonista, el desarrollo personal que tiene y las circunstancias que tiene que afrontar y un desenlace coherente con lo narrado. Destacan aún más esta historia al saber que está basada en la vida de un personaje real y se denota en las vivencias que nos relata. Y también en cómo nos muestra los aspectos más contradictorios de vivir bajo un régimen totalitarista y su maquinaria de propaganda, que pocas veces hemos podido ver en el día a día y contado por alguien que lo ha sufrido en su piel. Además como aderezo cuenta con las actuaciones musicales y sus coreografías, que los amantes del ballet apreciarán todavía más, mientras que los demás disfrutaremos contemplando estas armoniosas danzas.

«El último bailarín de Mao» llega como una propuesta alejada de los estrenos más comerciales de esta época del año. Y lo que nos ofrece es una historia muy correcta, bien contada y de manera coherente. Contiene ciertos momentos emocionales que nos muestra la dura experiencia vital de un artista chino que decidió salirse de los cánones que le imponían y que tuvo que pagar un alto precio por ello. Es un buen retrato de cómo ha sido China antes de su apertura al capitalismo, en claro contraste con la sociedad americana, a través del mundo del ballet y de la vida de un bailarín.

The Tourist

 

Cartel de la película

Cartel de la película

Bajo el slogan de “el viaje perfecto, la trampa perfecta”, que inglés gana enteros al ser un juego de palabras con trip/trap, llega a las pantallas españolas la última súper producción de Hollywood: ‘El Turista’ (‘The Tourist’, 2010). Y lo hace de una manera arrolladora a través de una premier multitudinaria en el Palacio de los deportes de la Comunidad de Madrid, en donde miles de aficionados se acercaron para ver la cinta, y más de cerca, sobre todo, a las dos estrellas que la protagonizan: Angelina Jolie, junto con su marido Brad Pitt que le acompañó a la capital, y Johny Deep.

Álvaro M. Angulo

‘The Tourist’ es el nuevo trabajo como director de Florian Henckel von Donnersmarck, que también se acerco a Madrid a la presentación del filme, y supone un paso más en su carrera. Después de la más que notable “La vida de los otros” (‘The lives of others’, 2006) y de haber realizado varios cortos, esta nueva película supone su salto al cine americano y a una gran producción. Y lo vuelve a hacer firmando el guión como ya hiciera en su anterior trabajo que le valió para ganar un Oscar a la mejor película en habla no inglesa hace ya cuatro años.

En un tren de camino a Venecia, un profesor de matemáticas americano de vacaciones (Deep) verá como una atractiva desconocida inglesa (Jolie) le involucra en una conspiración del Mi6, el servicio de inteligencia británico, para atrapar a un fugitivo de hacienda que desvalijó a un criminal. La situación saltará por los aires cuando los mafiosos también aparezcan en escena para recuperar su dinero.

Secuencia de "El Turista"

Secuencia de "El Turista"

Con esta premisa, von Donnersmarck nos presenta una hibridación de géneros en los que se mezcla desde el thriller de espías (con homenaje a James Bond incluido), pasando por las películas de acción, los falsos culpables (en el que los fans de la ‘Hora 11’ (‘Eleventh Hour’, serie de TV, 2008–2009) verán un bonito guiño), algunos pasajes de novela romántica (que a pesar de lo llamativo de los nombres de los protagonistas, la química entre ambos no es tanta como se presuponía), y todo ello aderezado con bastantes dosis de humor, que en algunos momentos pueden recordar a las comedias más clásicas, sobre todo por sus localizaciones y decorados, con algunos diálogos más que reseñables que configura la parte más entretenida entre tanta persecución.

‘The Tourist’ sin duda llenará las salas de los admiradores de ambos actores, que son bastantes. Pero, seguramente, lo que se encuentren no será lo que se esperaban, ya que los tráilers y el marketing previo pueden llegar a crear algunas expectativas algo engañosas. Estamos ante una película que toca muchos géneros distintos sin llegar a decantarse claramente por uno, lo cual te puede gustar o no, y lo hace de una forma bastante solvente. El resultado es entretenido, pero por encima de las tramas de espías, de las escenas de acción trepidantes y de los momentos más sentimentales lo que más sobresale es el punto de comedia, especialmente con el personaje de Deep, y, en segundo lugar, aunque a la misma altura, la belleza de Jolie, que aparece mejor que en muchos de sus últimos trabajos. De forma que los que se acerquen a las salas a ver la película por ellos no saldrán defraudados y de paso habrán visto una película entretenida.

Presentación en Madrid de “También la lluvia”

Photocall de "También la lluvia"

Photocall de "También la lluvia"

Este miércoles ha tenido lugar la rueda de prensa de la película que representará a España como candidata a Mejor película en habla no inglesa en la próxima ceremonia de los Oscar. Se trata de “También la lluvia”, el último trabajo de la directora Icíar Bollaín. Junto a ella han acudido a los céntricos cines Princesa una amplia representación de los actores (Luis Tosar, Gael García Bernal, Carlos Aduviri y Karra Elejalde) y el guionista Paul Leverty a explicarnos de primera mano los entresijos de esta filmación que llegará a los cines el próximo día siete de enero.

Texto: Álvaro M. Angulo //Imagen: Ana Isabel Serrano García

Lo primero que se puede desprender de este encuentro es que estamos ante una historia de historias o de “cine dentro del cine”, como ha comentado la directora. “También la lluvia” nos cuenta la historia de un grupo de cineastas que se desplazan a Bolivia a rodar una película sobre la “colonización”, nunca mejor dicho, pero que se verán inmersos en la revuelta popular en contra de la privatización del servicio de suministros de agua.

Icíar Bollaín contestando a una pregunta

Icíar Bollaín contestando a una pregunta

Gracias a la presencia del guionista Paul Leverty, colaborador habitual de Ken Loach, sabemos que llevaba trabajando en el texto diez años y aprovechó para agradecer al director Alejandro González Iñárritu su colaboración y aportación, pero que al final sus caminos se separaron. “Luego llego Icíar y desarrollamos el proyecto de una forma nueva”, comentó el escritor escocés nacido en la India. Además explicó que es un acercamiento a la versión menos conocida de los acontecimientos, que en muchas ocasiones se narran de forma parcial.

Tomando el relevo la realizadora madrileña manifestó que fue un reto el llevar a cabo el guión de Leverty, el cual calificó como de original y complejo con tres historias que se mezclan, de forma que el pasado y el presente no se distancian tanto. Pero también destacó que es una satisfacción el trabajar en Bolivia, con una industria pequeña pero muy profesional y la paciencia y entusiasmo de todos los implicados. Bollaín afirmó que “arriesgarse vale la pena” en cuanto a la hora de realizar un cine social y comprometido que te lleve a la reflexión, el cual anda desprestigiado últimamente. Respecto a ocupar la función que desempeña Ken Loach con este estilo de películas aclaró que “no me gustaría recoger testigos. Es un gran amigo y cineasta.” De cara a los Oscar anunció que a primeros de año se dirigirán a USA a promocionar el film a través de diversos pases.

Gael García Bernal junto a Luis Tosar

Gael García Bernal junto a Luis Tosar

“Bolivia es fascinante. Cada país tiene una historia diferente y fue una sorpresa vivirlo en primera persona. Es tan abrumadoramente compleja la realidad boliviana”, explicó Gael García Bernal. El actor mejicano interpreta el papel del director dentro de la película, del cual comentaba que, en algunas facetas, es un “homenaje privado a muchos directores con los que he trabajado, incluida Icíar, como Cuaron o Inárritu”. Por su parte Luis Tosar habló de “una energía muy especial de Bolivia que te va agarrando” y que, como conoce cómo es Bollaín, decidió tener un “eje central inamovible” con su personaje, el productor de la película.

A su vez, Karra Elejalde encarna al actor protagonista de la película que se rueda dentro de “También la lluvia” sobre Colón y explicó que son dos personajes distintos los que interpreta, lo cual no tiene mayor dificultad; pero explicó el “miedo a cagarla y defraudar” que tuvo después del acto de fe al regalarle este personaje por parte de la directora. Y Carlos Aduviri nos relató su experiencia como debutante en el medio en la piel de un indígena de la Bolivia actual y colombina. “Ha sido una experiencia única, más allá de una extraordinaria película, la amistad que he hecho” confesaba el actor boliviano. Además nos explicó cómo han sido los cambios que ha sufrido su país desde la ‘guerra del agua’ que relata la película y que “refleja muy bien lo que pasó, de manera fiel, y que no se ha exagerado”.

Rumores y mentiras

Cartel de Rumores y mentiras

Cartel de Rumores y mentiras

Comor principal reclamo de «Rumores y mentiras» («Easy A», 2010) tenemos a Emma Stone,  la atractiva pelirroja es la protagonista aboluta de  este film, que se luce en esta comedia, iba a decir romántica, que tiene algún toque, pero no creo que lo sea, sino más bien crítica con el mundo de la fama rápida y con los adolescentes de nueva generación. «Rumores y mentiras» es el segundo largometraje del director Will Gluck después de «Guerra de cheerleaders» («Fired Up!», 2009),  que se estrenó en nuestro país directamente en DVD. Se trata de un divertido acercamiento al mundo teenager americano que tantas películas ha dado, pero, en esta ocasión, con una estudiante que verá cómo su reputación en el instituto va empeorando día tras día.

Texto: Álvaro M. Angulo//Imagen: Image.net

Nos situamos en un instituto de Estados Unidos como otro cualquiera. Allí estudia Olive (Emma Stone), una chica inteligente y estudiosa que pasa desapercibida para el resto de la comunidad estudiantil.  Leer más...Todo cambia cuando decide mentir a su mejor amiga, le dice que se ha acostado con un chico desconodio, para no confesarle que no ha hecho nada el fin de semana. El problema radica en que esta pequeña mentirijilla irá difundiéndose y tendrá que ir acrecentándola para mantener el secreto. Esto derivará en una nueva serie de situaciones en las que verá cómo su mala fama alcanzará altas cotas de popularidad hasta que tenga que desmentirlo para evitar daños verdaderos entre tantas falacias.

Emma Stone en "Rumores y mentiras"

Emma Stone en "Rumores y mentiras"

Si hay que destacar algo por encima de todo de esta cinta es a Emma Stone («Supersalidos» 2007; «Una conejita en el campus», 2008; «Bienvenidos a Zombieland», 2009). La norteamericana realiza una interpretación muy remarcable, aprovechando al máximo toda su vix cómica, que demuestra a lo largo de toda la película, y nos enseña que detrás de los personajes un tanto vacuos de sus anteriores trabajos se esconde una actriz con mucho más talento del que se podría imaginar. Tanto es así, que será  Mary Jane, sustituyendo a Kirsten Dunst, en la nueva versión de Spiderman que se está preparando con Andrew Garfield («La Red Social«, 2010) como protagonista.

«Rumores y mentiras» es una comedia ácida con buenos diálogos que aprovecha la coyuntura para criticar la sociedad efímera en la que vivimos, en la cual hay un gusto por la autopromoción y por dar a conocer todas las actividades que realizamos, hasta las más nimias, que cualquier tema es digno de ser difundido. Una divertida forma de pasar el rato con una película que no pretende más de lo que anuncia pero que ofrece más de lo que se puede esperar.